Música Clásica

La música clásica es en realidad un término general que describe varios subgéneros que abarcan de 475 d. C. hasta el presente. La música medieval, se refiere a composiciones 475-1400. La música del Renacimiento, se refiere a la música popular de 1450-1600. El período Barroco que se dio a partir del año 1600, el cual fue seguido por la época clásica, que duró de 1730-1820.


1. Música Clásica

El periodo romántico, de la música clásica, se refiere a las obras de los compositores entre 1815-1910. En el siglo 20, la música clásica comenzó a inicios de los 1900 y continuó hasta el año 2000. Otro género moderno de la música clásica, es la música clásica contemporánea, que se inició en 1975 y continúa hasta el presente. Esta abarca casi toda la música clásica del siglo 20.

2. 2 Estructurando su repertorio básico

Ya sea que usted simplemente desee tener un repertorio básico, o construir una biblioteca respetable de música clásica, tendrá que abordar esta tarea de forma sistemática. Una de las mejores maneras para lograr este objetivo, es separar el proceso completo, en pasos más pequeños.

Mediante el estudio de cada período musical y su correspondiente género individual, se puede lograr este objetivo. Dentro de cada periodo específico, hay ciertos acontecimientos musicales que se han producido en este, y por lo general hay una o dos piezas musicales que caracterizan mejor esa evolución. También hay compositores específicos, cuya inspiración, fue una fuerza impulsora de los cambios que tuvieron lugar en la música de la época. Al momento, de preparar su repertorio, también podría considera, la evolución de los instrumentos, y su influencia en la música, a través de las distintas épocas.

3. 3 El periodo medieval: 476-1400

El Período Medieval de la música clásica, se refiere a la música producida entre los años 475-1400. La documentación de la música de este periodo, se da principalmente a través de fuentes religiosas. Debido a los costos de la realización de música durante este periodo de tiempo, y la escasez de recursos para la mayor parte de la sociedad, solo la iglesia tenía arreglos musicales formales, por lo que la música popular de este tiempo no es bien conocida.

El formato de la musical medieval era simple, y el principal ejemplo de ello es el canto gregoriano. Las voces cantaban en unísono, y no se daba una entonación específica para el ritmo. En este período la música clásica, hizo grandes avances, se dio una composición más completa de la música, y al final de la época medieval, se encuentran los inicios de la armonía y el ritmo en la notación musical.

Los instrumentos durante este tiempo fueron muy similares, a los que encontramos en la música moderna, pero, por supuesto, más primitivos en el diseño. Las cornetas, por ejemplo, eran hechas en madera o marfil, en lugar de metal, y eran rectas, en lugar de tener un diseño de bucles y curvas como los actuales, y en ese tiempo no tenían válvulas. Estas eran muy cortas, y los agujeros para reproducir diferentes notas no aparecen, hasta mediados de siglo 15.

Las flautas eran hechas de madera, y eran sopladas desde uno de los extremos y no de forma lateral, como se hace hoy en día. Uno de los instrumentos populares en la época medieval, pero no tan común hoy en la música clásica es la flauta pan. Los instrumentos de cuerda como laúdes y mandolinas también fueron comunes, así como los precursores del órgano, violín, trombón y existían también.

Durante este período de tiempo gran parte de las obras fueron escritas anónimamente, por lo que los registros de determinados compositores son difíciles de encontrar. La Iglesia Católica fue la principal fuente de inspiración para los cantos gregorianos, por lo que se debe ir a las fuentes religiosas en busca de ejemplos para la construcción de su repertorio de música medieval. Sin embargo, algunos compositores empiezan a surgir junto con el desarrollo de la música, particularmente Perotin Leonin alrededor de 1175, y Adam de la Halle y Franco de Colonia en 1275. El año 1300 marcó el inicio de la Ars Nova (arte nuevo) y la aparición de cuatro compositores: Philippe de Vitry, Guillaume de Machaut, Francesco Landini, Jacopo da Bologna. Si bien es importante comprender la importancia de este periodo, la mayor parte de las obras importantes y los compositores, aparecerán más tarde en otras formas de música precedente.

4. 4 Renacimiento: 1400-1600

A medida que los sistemas de notación musical evolucionaron, fueron posibles formas de composición más complicadas. La época renacentista vio avanzar a la música en una mayor complejidad. El uso de una mayor instrumentación, incluida la introducción de instrumentos graves, y la aparición de múltiples líneas melódicas añadieron nuevas dimensiones al sonido.

La música sacra de las misas y los coros, se volvió más popular, y algunos incluso compositores de música sacra, empiezan a utilizar el tradicionalmente secular Madrigal para sus composiciones.

Debido a la invención de la imprenta, las formas seculares de la música de este período son mucho más fáciles de explorar. La música vocal de una o varias voces fue popular en formas como la frottola, chanson, y el Madrigal. Música puramente instrumental también existe en la música y danzas de esta época. Géneros comunes fueron el preludio, la tocata, y la allemande.

La instrumentación se convirtió en un elemento mucho más prevaleciente y los propios instrumentos aumentaron en complejidad. La clave, el dulcimer, y la gaita hicieron su aparición en torno a este momento.

La comunidad musical fue dirigida por un compositor llamado Guillaume Dufay ente 1400-1467. Los restos medievales de la música medieval, se mezclaron con nuevas ideas para crear un estilo más fluido. La música clásica a mediados del renacimiento es representada por las obras de Johannes Ockeghem y Jacob Obrecht cuyas obras reflejan una atención al detalle intrincado, que también se encuentra en las pinturas de la época. Esto se vio compensado por una tendencia musical hacia la simplificación, como se escucha en la música de Josquin des Prez y GP Palenstrina. Sin embargo, a medida que se acercaban el nuevo siglo de los 1600, se vio una complejidad característica de estilo barroco, que se puede encontrar en los madrigales de Luzzaschi, Marenzio, y Gesualdo.

5. 5 Periodo Barroco: 1600-1760

El período barroco se caracterizó por una rica ornamentación, la complejidad, y una cierta decadencia del estilo. Esto se reflejó no sólo en la música clásica de la época, pero en la arquitectura y el arte visual.

Durante el Barroco, vemos la emerger a compositores conocidos como JS Bach, Handel, y Vivaldi. Todas las colecciones de la música clásica deben tener estos importantes compositores, y todos los estudiantes de la música clásica deben estar familiarizados con sus obras. Las Fugas de Bach, El Mesías de Handel, y las cuatro estaciones de Vivaldi.

La música clásica de esta época siguió evolucionando, y realizado importantes cambios en la estructura y la forma. Nuevos conceptos en la teoría de la música, como la tonalidad diatónica, y el contrapunto imitativo, fueron desarrollados durante este tiempo. Estos son conceptos importantes en la comprensión de la música clásica.

En la teoría de la Música se describe la mecánica de cómo se construye la música. Se formalizó la práctica de la notación musical y estableció el sistema musical utilizado por los compositores clásicos occidentales. La tonalidad diatónica es una parte de la teoría de la música, que establece las escalas y acordes que son los componentes básicos de la música occidental. El contrapunto imitativo es un sistema musical que explora cómo se crean armonías y el movimiento entre las diferentes líneas musicales que son la base de las armonías.

Una pieza sumamente importante que encarna estos acontecimientos en la música es el Clavicordio bien temperado de JS Bach. Esta es importante, ya que para poder crear una quinta perfecta, con acordes de tonalidad diatónica, los instrumentos tuvieron que ser modificados para darle una afinación muy específica. Se trata de un largo proceso de búsqueda una tonalidad exacta y la adaptación de instrumentos musicales para poder reproducirla. El proceso era tan tedioso que limita las posibilidades de interpretación o ejecución. Finalmente, la quinta imperfecta, fue aceptada, como parte de los sistemas musicales, de las melodías y acordes, y simplemente, se empezó a trabajar en base a este interesante fenómeno musical. El Clavicordio bien temperado, fue escrito por Bach para explorar este nuevo desarrollo en la teoría musical. Esta pieza sigue siendo una piedra angular de la música clásica occidental. Cualquier persona que desea construir una buena biblioteca de música clásica, no puede pasar por alto esta importante obra.

A medida que la teoría musical evolucionó, los instrumentos también se volvieron más sofisticados, y la música empezó a ser escrita, teniendo en mente las propiedades únicas de cada uno de los instrumentos. También hubo una aparición de piezas específicamente dedicado a los teclados. Estas piezas fueron escritas tanto por placer como para la instrucción.

Este período en la música clásica también presenta una amplia gama de géneros musicales. Música vocal se amplio más allá de los madrigales a la ópera y a la música coral más avanzada. Las piezas instrumentales evolucionaron para incluir conciertos, así como sonatas y otras piezas de baile. La música sacra se ramifico a cabo a fin de incluir cantatas. Las Fugas también ganaron popularidad durante este tiempo, especialmente las de JS Bach que eran denominadas El Arte de las Fugas.

6. 6 Periodo clásico: 1730-1820

Este período de tiempo inició, a mediados del siglo 18, y se conoce como el período clásico de la música clásica. La cultura avanzó, a partir del estilo barroco, esta evolución, incluyó formas más sofisticadas en arquitectura, la literatura y el arte que, pero al mismo tiempo más sencillo en su diseño. Estos cambios también fueron integrados en la música y la melodía, y fueron apoyados en los acordes homo-fónicos, y comenzaron a sustituir las varias capas de melodía que estaba en constante movimiento e interacción. Debido a este cambio, de dio un cambio en la línea melódica para enfocarse más en la notación.

Este periodo de tiempo dio lugar al género de la ópera cómica. Otras novedades en la composición incluyen la creación de contrastes dentro de un movimiento, en lugar de que cada movimiento expresar un motivo único.

Alguno de los compositores importantes durante este período de tiempo son Haydn, Mozart y Gluck. Algunas escuelas de pensamiento consideran que Beethoven era un compositor clásico, y otros lo consideran como un romántico. Sus contribuciones a la música, son dignas de ser incluidas en la época romántica.
Schubert también fue un compositor de transición hacia el final de este período.

Haydn sentó las bases para el nuevo estilo de composición en sus sinfonías de finales de 1750. Haydn compuso más de 40 sinfonías, y muchos otros compositores de esta época comenzaron a aplicar los elementos de su estilo en sus obras. Una pieza importante que se debe tomar en cuenta, es "La sinfonía de despedida" No.45 en Fa menor. El Opus 33 de cuartetos de cuerdas también es un ejemplo notable de su trabajo, y ejemplifican su contribución al cambio en la música.

Mozart se basó en estos conceptos, y los aplico a los dos géneros principales de este período de tiempo, la ópera y el concierto virtuoso. Aunque Haydn es principalmente un músico de la corte, Mozart buscó el éxito público. Ellos fueron contemporáneos y compartieron un profundo respeto, así una amistad expresada en correspondencia intercambiada entre ambos.
Ludwig Von Beethoven hizo su aparición al final de esta época, tomando la forma clásica hacia su próxima dimensión de expresión, el Romanticismo. Sus tres sonatas para piano, Opus 2, lo establecieron como una fuerza emergente. Algunos de los cambios sutiles que se incluyen, son un cambio en los movimientos, como melodías bajas y de larga duración.

7. 7 Período Romántico: 1815-1910

El periodo romántico en la música corresponde con un cambio general de la filosofía en la cultura en ese tiempo, el cual incluye la importancia y el poder de las emociones. La música empezó a tener una mayor calidad narrativa en su expresión con un enfoque en los temas y melodías. El énfasis en la melodía se convirtió por si mismo en una forma cíclica, el que a su vez se convirtió en un factor clave en la creación de piezas mucho más extensas que surgieron durante este periodo de tiempo. Desarrollos adicionales en la música de este periodo, incluyeron a la sonata, así como una base más sistemática para la composición y la realización de música de conciertos.

Las orquestas fueron mucho más extensas durante el Romanticismo, y la aparición del virtuoso fue un interesante desarrollo. Los virtuosos eran muy populares, y se convirtieron en una fuerza igual a los compositores. Liszt fue un compositor y un virtuoso pianista muy popular.

Otros compositores de esta época incluyen Mendelson y Chopin, quienes empezaron a crear obras de valor desde el inicio de sus carreras. Wagner, también es otro nombre que debe ser asociado con este periodo musical, es en esta época, que s vio la aparición de la "Opera romántica". Esta forma combinada de orquesta con un énfasis francés, la dramática erupción de los italianos, y los textos extraídos de la literatura cada vez más popular. Estos elementos siguen dominando la música operística hasta el día de hoy.

Los conciertos de piano o recitales también fueron muy populares en esta época. La capacidad de viajar en tren o en barcos de vapor, creó un público internacional para estos, los cuales incluían a las sonatas y obras más breves. Estos conciertos se convirtieron en grandes acontecimientos.

Los avances en los instrumentos musicales durante este tiempo contribuyeron al creciente expresionismo de la época. En estos avances, se puede incluir a la válvula de los instrumentos de viento; así como un soporte para el mentón en los violines y violas, de igual forma apareció el piano con doble acción de escarpe.

8. 8 Siglo XX 1900-2000

Por abarcar un plazo tan amplia, esta clasificación musical, lógicamente, contiene una amplia diversidad de estilos musicales y compositores, incluidos el Romanticismo tardío (Sergei Rachmaninoff), Impresionismo (Claude Debussy), Neoclasicismo (Maurice Ravel), el minimalismo (Steve Reich y Philip Glass), la música electrónica (Karlheinz Stockhausen) y el poli-estilismo (Alfred Schnittke) para nombrar unos pocos. Los compositores como George Gershwin y Leonard Berstein también tienen fuertes influencias de Jazz. Pero la fuerza unificadora de todos estos estilos es un uso más amplio de la disonancia en la composición de música.

Un interesante desarrollo en este particular segmento de la música clásica es la divergencia de los artistas en la vanguardia y en las formas más tradicionalistas. Artistas reconocidos en un género no siempre reciben respeto en otros, sin embargo el tiempo expandió los límites entre los dos y se hizo más flexible.

Los compositores del siglo 20 con una influencia más tradicional incluyen a Gustav Mahler, Richard Strauss, Arnold Schönberg, Igor Stravinsky, Aaron Copland, en cambio en el movimiento más vanguardista, incluye a los compositores Anton Webern, Elliot Carter, Edgard Varese, y Milton Babbit.

Algunas novedades interesantes de esta época, se dan como resultado de los avances tecnológicos del siglo 20 y los instrumentos electrónicos. Algunos compositores simplemente incluyeron estos instrumentos, como una parte de piezas tradicionales, otros compositores crearon obras musicales que utilizan exclusivamente instrumentos electrónicos y sus efectos. Algunas de las piezas electrónicas más conocidas como "Música de Cine" por Ussachevsky Vladimir, un arco iris en la curva del aire" y "Shri camel", por Terry Riley, "Silver apple" por Morton Subotnick, y "la luz sobre el agua", por John Adams.
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